В этой статье мы рассмотрим, как использовать инструменты редактирования, чтобы улучшить питч и тайминг вокала.
Можно значительно облегчить себе жизнь, просто правильно подготовившись к этапу записи. В конце концов, певцы реагируют на то, что они слышат, а это означает, что любая внутренняя проблема с минусовкой может помешать им показать свое лучшее исполнение. Так что приложите усилия, чтобы сделать корректирующие правки в других частях композиции до того, как певец подойдет к микрофону, и постарайтесь также создать разумный баланс микса. Например, если барабаны и перкуссия слишком громкие, может быть трудно точно определить высоту звука; слишком тихо, и может пострадать ритмическая точность.
Некоторые наушники не обладают отличной точностью воспроизведения басов, что может привести к тому, что саб-бас или тембры бочки исчезнут из микса, тем самым лишив исполнителя жизненно важных ориентиров высоты тона/тактирования. Задержка мониторинга, какой бы небольшой она ни была, также может испортить подачу певца, поэтому я обычно предпочитаю по возможности избегать программного мониторинга — либо настроив аналоговый мониторинг, либо попросив певца снять одну сторону наушников, чтобы он мог слышать себя акустически. Некоторые певцы клянутся, что добавление вокальной реверберации к их наушникам помогает им точнее ловить питч, но лично я никогда не сталкивался с этим, так что ваше мнение может отличаться!
Также мудро будет снизить комнатные отражения, которые «протекают» в микрофон при записи. Алгоритмы обработки высоты тона/времени распознают шумовые и реверберационные сигналы тяжелее, и это в основном приводит к большей вероятности того, что вы в конечном итоге столкнетесь с неприятными артефактами обработки, пытаясь вырезать комнату из сигнала. И еще один совет по записи ритмичных песен: просите певца немного двигаться в такт песне во время исполнения, так как это может творить чудеса с ритмической точностью.
В наши дни существует множество отличных программ для коррекции высоты тона, но независимо от того, что вы используете, и при условии, что вы не используете его как преднамеренный эффект, главный принцип, которому нужно следовать, — свести обработку к минимуму. Чем проще и целенаправленнее ваша коррекция высоты тона, тем меньше немузыкальных побочных эффектов она вызовет. То есть, имеет смысл избегать автоматических настроек или забыть о них вообще, потому что они в той или иной степени обрабатывают почти все — независимо от того, нужно ли это музыке или повреждает ли обработка вокальный звук. Дело в том, что большинство профессионалов высшего уровня по-прежнему предпочитают выполнять редактирование ведущего вокала вручную, поэтому они всегда могут руководствоваться собственными ушами.
Обычно я предлагаю работать над исполнением методично, фраза за фразой, но затем, внутри каждой фразы, сначала исправлять наиболее проблемные ноты. Работая таким образом, вам станет понятно, что немногие ноты на самом деле важны для создания того эффекта, который певец пытается произвести на слушателя. То есть, если удостовериться, что в партии самые важные ноты попадают в питч, остальные уже не будут иметь такого значения. Небольшие отступления от идеального питча порой добавляют жизни треку, и если вы будете корректировать каждый маленький слог, это убьет песню.
В том же ключе попробуйте скорректировать простые смещения высоты тона для целых слов или слогов, а не пытайтесь сгладить все крошечные вариации в каждом слоге. Да, я понимаю, что иногда будут попадаться более длинные слоги, во время которых высота тона изменяется очень нелинейно, и что некоторые программы для настройки предлагают ползунок высоты тона, который, как кажется, - самое быстрое решение этой проблемы. Однако это скользкая дорожка, потому что с с этим фейдером может быстро привести к «роботиту»: механическому, похожему на синтезатор вокалу, который полностью лишен характера. Гораздо лучше нарезать более длинные слоги на более мелкие части, и уже пробовать тюнить руками.
Кроме этого: вот еще несколько проблем, которые могут возникнуть:
Многие из тех же программных инструментов, которые предлагают коррекцию питча, также имеют средства тайм-стретчинга (растяжки аудио-элемента по времени), которые можно использовать для синхронизации с ритмом песни. Опять же, однако, я бы предостерег от использования какой-либо функции массового «квантования» для ведущего вокала, потому что это никогда не давало мне музыкальных результатов. Честно говоря, я на самом деле вообще избегаю тайм-стречтинга вокальных дорожек, где это возможно, потому что мне никогда не нравилось, как такая обработка влияет на тембр вокала, а также вытягивает «воздух» из исполнения. Я предпочитаю использовать традиционные методы редактирования аудио, которые я продемонстрировал в прошлом месяце (SOS, декабрь 2021 г.: https://sosm.ag/dec21-vocal-comping), и прибегаю к растяжке элемента времени только в крайнем случае, когда иного выхода просто нет.
Как и в случае с питчем, если вы работаете над вокальным исполнением фраза за фразой, постарайтесь сопротивляться желанию прикрепить каждый момент к сетке. Вместо этого сосредоточьтесь на том, какие слоги действительно должны быть в такт, а какие могут позволить себе быть более свободными, не влияя на грув. Кроме того, я обнаружил хорошее эмпирическое правило: чем меньше фрагменты аудио, которые вы тянете, чтобы исправить предполагаемую проблему синхронизации, тем менее естественно будет звучать окончательный вариант.
Независимо от того, редактируете ли вы питч или тайминг, есть кое-что в плане психологии, что также стоит учесть. Самое главное, вы должны признать, что мы, люди, жестко запрограммированы на то, чтобы отдавать предпочтение нашему зрению, а не слуху, и что это может очень легко застать нас врасплох при работе над любой детальной студийной задачей. Если вокальная нота «выглядит» точно на сетке высоты тона/времени вашей DAW, ваш мозг будет сильно склонять вас к мысли, что она звучит правильно, тогда как в действительности естественное исполнение песни всегда будет немного вне сетки. В случае питча это может быть связано с небольшими неправильными интерпретациями высоты тона в самом программном обеспечении. С проблемами тайминга может появиться «двусмысленность» в логике программы (что именно стоит считать началом слога?).
Например, если вы взглянете на форму волны слава CRAZY (крейзи), вы увидите открывающий транзиент слога «к», затем форма волны и переход уровня через звук «р» перед более устойчивым «эй». согласный вступает полностью. Какой из этих элементов составляет начало ноты? Хотя вы можете инстинктивно поставить «к» на долю, это часто (но не всегда) заставляет слово в целом казаться запоздалым, потому что устойчивая гласная «а» начинается значительно позже доли. В таких вопросах нет конкретных ответов, поэтому единственное решение — постоянно бросать себе вызов и доверять своим ушам больше, чем своим глазам.
Так вот, я не говорю, что сетка высоты тона и времени вашей DAW полезна в корректировке изворотливо звучащей ноты — напротив, они могут сэкономить вам много времени. А в аранжировках без четко определенной сетки темпа визуальные изображения партий ритм-инструментов могут служить вместо сетки. Тем не менее, вы должны приучить себя закрывать глаза или отводить взгляд от экрана настолько, насколько это возможно, во время работы — как при выборе заметок для корректировки, так и при принятии решения о том, улучшили ли ваши изменения ситуацию. Со своей стороны, я также считаю важным после редактирования каждой секции песни (скажем, каждого куплета) вставать со своего студийного кресла и слушать трек из другой части комнаты, отвернувшись от экрана моей DAW! Удивительно, насколько яснее становятся ваши решения, когда вы выходите из такого «режима редактирования» и перенимаете мышление слушателя вдали от элементов управления.
Помните, что аккомпанемент, который вы слышите, повлияет на вас так же, как и на оригинального певца, поэтому не ожидайте, что вы сможете правильно оценить питч и синхронизацию, если баланс аккомпанемента совсем не похож на то, что будет в окончательном миксе. Аналогичным образом, для любой основной работы жизненно важно проверять свои правки как на полнодиапазонных мониторах, так и в условиях прослушивания с более ограниченной полосой пропускания, потому что различия в слышимости могут сильно повлиять на то, как ощущается вокальное исполнение. Я бы также рекомендовал работать на умеренном уровне громкости, потому что восприятие высоты тона на самом деле немного меняется в зависимости от уровня громкости, и по моему опыту, решения по настройке вокала, сделанные на более высоких уровнях громкости, имеют тенденцию слегка искажаться.
Многие инженеры также не учитывают влияние движений своего тела при редактировании. Я понимаю, что может быть полезно качать головой вместе с музыкой, чтобы прийти к четкому мнению о том, где должен располагаться вокал в груве трека, но есть также смысл абстрагироваться от этого Другими словами, если вы танцуете, пытаясь оценить успех редактирования, ваши собственные физические ощущения могут затмить более тонкие ритмические сигналы, доносящиеся через ваши уши, и легко обмануть вас. Вы можете подумать, что ваш монтаж лучше оригинального исполнения, и наоборот. На самом деле, если мне хочется танцевать, слушая монтаж, это часто заставляет меня сомневаться в качестве монтажа; У меня возникают подозрения, что я пытаюсь обмануть себя тем, что я кайфую от трека, когда это не так! (Это немного похоже на другой красный флажок: когда вам хочется увеличить громкость мониторинга во время микширования, на самом деле причина здесь проста - сведение трека все ще не дотягивает до уровня.) Поэтому я иногда специально делаю окончательную проверку редактирования – я слышаю трек не двигаясь, чтобы сконцентрироваться на том, что я слышу.
Еще один психологический феномен, который вы должны признать, заключается в том, что вы становитесь более чувствительными к несоответствию высоты тона и тайминга, с каждым прослушиванием. На самом деле, именно по этой причине я думаю, что студийные записи выигрывают от более плотного расположения нот по сетке, чем живые выступления, потому что слушатель с большей вероятностью будет слушать запись несколько раз. В некоторой степени это работает в ваших интересах при редактировании, потому что точные суждения становятся тем легче, чем более чувствительным становится ваше ухо. Я часто воздерживаюсь от серьезных настроек редактирования в самом начале любого сеанса редактирования просто потому, что жду, пока мои уши «разогреются» в этом отношении.
По моему опыту, решения по настройке вокала, сделанные при более высокой громкости прослушивания, имеют тенденцию быть слегка искаженными.
Оборотной стороной этого постепенного повышения чувствительности восприятия является то, что есть вероятность переборщить, просто потому, что вы начинаете слышать нюансы высоты тона и времени, которые никогда не повлияют на сознание обычных слушателей. Это то, с чем я борюсь сам, как педант, поэтому я в значительной степени полагаюсь на несколько контрмер. Одна из них — не тратить больше нескольких минут на каждую фразу, концентрируясь только на том, чтобы сделать ее лучше, а не на том, чтобы сделать ее идеальной. Затем, после того, как я отредактирую, скажем, целый куплет, я прослушаю его целиком и задам себе вопрос, что на самом деле меня все еще беспокоит. Часто аспекты вокального исполнения, которые казались не очень, когда я был глубоко в работе, в конечном итоге звучат в порядке, стоит только «вынырнуть» из окна редактирования и послушать в контексте. Более того, я могу с большей уверенностью утверждать, что моменты, которые все еще не в порядке, действительно требуют большей доработки.
И, конечно же, вы получите еще больше объективности, если прослушаете кусок подольше после чашки чая — ведь перерывы имеют решающее значение при такой детальной работе. По этой причине я выработал некий ритм во время редактирования, когда я работаю в основном детально (с редкими проходами по всей секции) около 45 минут, а затем делаю перерыв. Чай и печенье благополучно выпиты, я воспроизведу разделы, над которыми работал заранее, и внесу в них последние коррективы, прежде чем снова запустить цикл рабочего процесса с детальным редактированием следующего раздела.
Хотя эта статья в первую очередь посвящена ведущему вокалу, бэк-вокал тоже часто нуждается в корректировке. Здесь, однако, я часто с удовольствием отменяю свой мораторий на автоматические настройки питча и тайминга либо потому, что фоновая часть в миксе звучит тише, либо потому, что она является частью многослойной текстуры — в обоих случаях слышимость нежелательных артефактов очень низка.
Моя главная проблема с бэк-вокалом - это более твердые согласные, особенно когда несколько партий наложены друг на друга, потому что флэминг между согласными на разных треках не только звучит немного отрывисто (особенно если певцы панорамируются в стерео), но также может мешать общей разборчивости текста. Я также избегаю согласных бэк-вокала, предшествующих согласным ведущего вокала, потому что это может сильно отвлекать слушателя, особенно в наушниках.
Несовпадающие окончания нот также могут торчать, как опухший палец, так что это еще одна вещь, на которую стоит обратить внимание. При укорачивании концовки я предпочитаю не просто заглушать среднюю ноту, потому что это может звучать довольно неестественно, вместо этого я обычно вырезаю часть из середины последнего слога, а затем закрываю пробел, просто перемещая естественное окончание ноты раньше по времени. Когда конец ноты нуждается в удлинении, я решаю это аналогичным образом (т. е. используя простое редактирование звука), если есть риск того, что артефакты растягивания времени припева могут стать слышимыми, но в противном случае я часто просто исправляю это с помощью небольшого количества тайм-стретчинга.
В целом, следует помнить, что то, насколько тщательно отредактирован бэк-вокал, часто является сильным маркером жанра, поэтому, прежде чем вы слишком увлечетесь мелочами, ознакомьтесь с несколькими соответствующими коммерческими релизами, которые помогут вам сохранить свою точку зрения.
В течение многих лет я всегда начинал с редактирования высоты тона, а затем работал с таймингом, хотя в основном я обязан этой привычке практической работе с различными версиями Celemony Melodyne (это всего лишь мой выбор, есть еще и другие) на протяжении многих лет, и у меня нет особого предпочтения с чего начинать. Кроме того, я провожу довольно много сравнительных исследований студийных профессионалов, и, похоже, также нет единого мнения о том, с чего они начинают. Поэтому я бы не стал тратить слишком много энергии на беспокойство по этому поводу и просто начал бы с того, что вы предпочитаете. Имейте в виду, я бы не рекомендовал пытаться одновременно корректировать синхронизацию и настройку, потому что я думаю, что каждая задача кажется мне такой, будто она использует очень разные умственные «мышцы», и каждая из них требует предельной концентрации.
Перевод и локализация: Studio Day