Когда SOS спросил, могу ли я поделиться своей «шпаргалкой» в более развернутом тексте, я с радостью согласился. Это произошло благодаря моей роли преподавателя курса «История производства» в Институте Abbey Road в Амстердаме, где, помимо предоставления стандартного содержания курса, меня всегда просили делиться советами и анекдотами из моего личного студийного опыта. Этот подход понравился студентам, но несколько лет назад один из них спросил, есть ли у меня «что-нибудь на бумаге». Как вы можете себе представить, довольно сложно свести знания, полученные за почти 50 лет работы в студии, в несколько коротких советов. Но я попробовал и раздал своему классу своего рода список советов из «потока сознания». Он вызвал очень положительную реакцию, и я надеюсь, что вы тоже найдете здесь что-то полезное.
Исполнение артиста гораздо важнее любого технического аспекта записи. Будь то инженерный момент или продюсирование, и тот и другой специалист несут ответственность за создание условий, в которых артист сможет проявить себя наилучшим образом.
Помня совет 1, по возможности подготовьтесь к сессии заранее. Клиент не будет рад техническим заминкам.
Если что-то не так в техническом плане, сразу дайте клиенту об этом знать, иначе оно может плохо обернуться для всех. (Здесь со мной согласны не все!)
Знать где вы находитесь в момент прослушивания очень полезно, поэтому маркеры здесь сослужат хорошую службу. Когда кто-то произнесет фразу «давайте послушаем еще разок, но со второго припева», вы очень быстро прыгнете на нужное место в миксе.
Чем больше микрофонов вы используете для записи источника звука, тем больше вероятность возникновения проблем с отменой фазы. В качестве примера можно привести запись ударной установки, где несколько микрофонов будут захватывать одни и те же источники звука с разных углов и расстояний (например, оверхэды и расположенные близко микрофоны). Регулируя фазовое соотношение различных микрофонов, вы сможете добиться более полного и приятного звука. После записи вы можете в некоторой степени компенсировать это, микросдвигая различные барабанные треки во времени (при этом увеличивая масштаб сигналов) или используя инструмент выравнивания фазы (all‑pass filter), такой как IBP от Little Labs, который доступен в виде плагина Universal Audio.
Обязательно используйте «брекет-эквалайзер», то есть high‑ и low‑pass фильтры, чтобы снизить громкость частотного спектра тех партий, которые стоят, так сказать, под вопросом. То, что я выделил курсивом, имеет решающее значение — я не сказал «высокие частоты всего, кроме баса и бас-бочки», что является распространенной ошибкой среди продюсеров и инженеров. Попробуйте сначала более мягкие срезы фильтра, возможно, 12 дБ/октаву, поскольку они обычно звучат более музыкально, чем крутые срезы. Или попробуйте вместо этого использовать мягкий полочный эквалайзер.
При микшировании (и написании/аранжировке) постарайтесь, чтобы каждый инструмент занимал свое место в спектре звуковых частот. Панорамирование похожих звуков друг от друга может показаться решением проблемы маскировки, но если вы сделаете это правильно в моно с помощью эквалайзера, стереомикс тоже будет в порядке, и скорее всего, в еще лучшей форме. Мне потребовалось много лет, чтобы усвоить этот урок.
Не используйте эквалайзер для усиления высоких частот во всех элементах. Если вы хотите, чтобы песня звучала ярче, попробуйте использовать яркий инструмент.
Старайтесь не настраивать эквалайзеры в режиме соло, потому что, если звук неприятен сам по себе, но великолепен в миксе, это нормально. Звук в контексте (весь микс) – вот что важно.
Звуки с большей реверберацией и меньшим содержанием высоких частот будут казаться более отдаленными. Сухой и яркий звук всегда будет звучать на переднем плане.
Перевод и локализация: Studio Day