...и как их избежать
Одни и те же ловушки будут возникать тут и там во время студийной записи. Научитесь избегать их и ваши звукозаписывающие сессии преобразятся!
Я всегда говорил, что если аккуратно подредактировать и обработать записанный материал, очень часто можно вырвать победу из челюстей убого записанных монстро-проектов. В то же время, можно избежать всех этих проблем и излишне потраченного времени, уделив должное внимание определенным моментам непосредственно во время самой записи. Небольшие изменения в процессе записи помогли бы сэкономить мне кучу часов в чистилище пост-продакшна. Я подумать не мог, что на сведение хорошо записанной песни уйдет дольше одного дня или около того (речь идет о коммерческом звучании). Но, к сожалению, большинство проектных мультитреков, которые я получаю, занимают в три раз больше времени, иногда целую неделю. Обиднее всего, что это результат одних и тех же ошибок, допущенных во время трекинга, а ведь можно сэкономить буквально десятки часов во время сведения. В этом тексте перечислены 5 наиболее повторяющихся ошибок при звукозаписи (а также, пути их решения), в которые попадают звукорежиссеры.
1.Важность источника
Используйте акустический потенциал мебели комнаты – в конце концов, это бесплатно! На картинке выше видно, что два гитарных усилителя отделены друг от друга диваном и матрасом, а микрофон бочки также заблокирован от протечек тарелок в него при помощи кресел и одеял.
Ведущие продюсеры постоянно твердят об этом в интервью, поэтому меня поражает, как часто я вижу операторов проектных студий, зацикленных на технологиях и полностью игнорирующих тот факт, что инструмент, музыкант и комната во время записи намного важнее. Это особенно сбивает с толку малообеспеченных звукорежиссеров, а ведь это абсолютно бесплатно - изменить настройки инструмента, сменить стиль игры или переставить мебель, чтобы обмануть акустику комнаты.
Работа с источником: акустически слушайте инструмент / ансамбль, который вы собираетесь записать, и спросите себя, звучит ли он уже так, как вы хотите. Если нет, всегда пытайтесь решить эту проблему у источника - не только до того, как вы нажмете «Запись», но даже до того, как вы задействуете какие-либо микрофоны. Как говорит продюсер Трина Шумейкер: «Дело не в том, чтобы добиться отличного звука. Речь идет о записи отличного звука, который уже есть».
Учитывайте контекст: солирование источника может помочь вам разобраться в технических проблемах, но изолированный красивый звук может не вписаться в контекст полной аранжировки. Не принимайте радикальных и быстрых решений относительно тембра какого-либо инструмента, пока на консоли горит «S».
Спросите музыканта: всякий раз, когда не получается сразу идеально настроить микрофон (и, конечно, перед тем, как вы начнете использовать эквалайзер), быстро запишите фрагмент, проиграйте его музыканту и попросите его помочь вам улучшить звук. Он почти наверняка сразу же выдаст полдюжины отличных предложений. Кроме того, поощрение исполнителей к критике собственного записанного звука в целом неплохая вещь, потому что они часто инстинктивно реагируют на это и корректируют свою игру в соответствии с аранжировкой - по сути, выполняя некоторую работу по сведению за вас!
Помогите вокалисту: следите, чтобы вокалисты пили воду комнатной температуры между дублями. Время суток в момент записи может иметь огромное значение для тембра и звука любого голоса, и тон также будет меняться по мере того, как певец разогревается, достигает своего пика, а затем постепенно утомляется. Планируя сессию, вы можете использовать эти вещи во благо.
Работайте с комнатой: не забывайте использовать акустический потенциал помещения. Есть ли в комнате для записи другое место, которое могло бы звучать лучше, или другая комната, куда вы могли бы перебраться? Что, если бы вы убрали удобные кресла и свернули ковер, чтобы усилить звук акустической гитары, или повесить одеяла, чтобы избежать сильных протечек между двумя инструментами? Ради всего святого, эти штуки бесплатны и часто меняют звучание сильнее, чем ваши микрофоны, так что не пренебрегайте ими!
Часто проверяйте строй инструментов: проверяйте строй перед каждым дублем. (Ну правда!) Честно говоря, это всего лишь минута работы, и она может сэкономить много часов монтажа в дальнейшем.
2.Шаблонные штампы
Как и при сведении, не ожидайте, что инструмент хорошо зазвучит в общем контексте аранжировки, если вам нравится, как он звучит сольно.
Не нужно все время гуглить сетапы микрофонов, их расстановки и диаграммы для всего, что вам необходимо записать, это не просто может сбить вас с толку, это может в итоге разрушить ваш микс. На самом деле, чаще всего худшие записи, которые мне присылают очень часто сделаны, используя «шаблонные» расстановки микрофонов несмотря на то, что они плохо звучали даже из контрольной комнаты.
Дело в том, что очень мало таких шаблонов сопровождаются примерами необработанных аудиозаписей, и нет никакого способа определить, подойдут ли эти настройки для вашей музыки или нет. Более того, некоторые шаблоны были взяты из опыта крупных коммерческих студий (и скорее всего из времен аналоговой эры звукозаписи), и очень часто все это никаким образом не совместимо с вашей домашней акустикой, где мало места и мало доступного оборудования. Вы даже представить себе не можете как часто я вижу, как в студиях используют сетапы для записи живого звука. О чем думают такие инженеры
Подстройка микрофонов: я считаю, что 90 процентов первоначального выбора микрофонов и их размещения на сессиях частных домашних студий выиграют от некоторой настройки, поэтому изменение и/или перемещение каждого микрофона перед записью должно быть правилом, а не исключением - начинаете ли вы с шаблонного расположения микрофона или нет. Отказ от эквалайзера во время записи может помочь развитию дисциплины. Я также предпочитаю убирать все стулья перед консолью или DAW, пока я готовлюсь к записи просто потому, что намного сложнее мотивировать себя продолжать перемещать микрофоны, если мне нужно каждый раз вставать с удобного кресла.
Сравнивайте: всегда старайтесь акустически прислушиваться к любому записываемому вами звуку. Это то, что неоднократно подчеркивали знаменитые инженеры. «Не сиди просто так, в контрольной комнате, - говорит, например, Брюс Сведен. - Сходи посмотри, как это звучит в студии». Одно из лучших средств против шаблонного мышления - это дисциплина сравнения того, что звучит из мониторов с акустической реальностью. Временами это может быть немного удручающе, но ничто другое так не отточит ваши навыки записи.
Править лучше до сведения: одна из самых опасных вещей, когда люди используют шаблоны, это оправдание: «ну, после сведения зазвучит». Да, цель сведения - добиться наилучшего звучания записи, но если грубое сведение сразу после трекинга не заводит и не впечатляет музыкантов, то вам, несомненно, нужно усерднее работать с микрофонами. Попытки «исправить вещи в миксе» - огромная трата времени, ведь у вас есть гораздо больше возможностей для управления тембрами во время записи. Как однажды сказал Тревор Хорн: «Сведение- худшее время для работы над любым аспектом записи».
3.Просчеты однодублевых записей
Пожалуй, самый явный показатель топового продакшна – вокал высшего качества, и, знаете, 9 из 10 проектных студий не могут дотянуться до этой планки только по причине небрежности на этапах трекинга и монтажа.
Слушаем, оцениванием и действуем: что бы вы не записывали, возьмите в привычку переслушивать запись, оценивая критически. Например, можно ли залатать какие-то мелкие ошибки? Второй куплет звучит настолько же музыкально, как и первый, или нет? Есть ли моменты, где грув внезапно убегает вперед, или, наоборот, оттянут?
Изучите горячие клавиши DAW, чтобы быстро ставить маркеры и подсвечивать проблемные моменты по мере того как вы переслушиваете дубли. Так вы ничего не упустите. Проштудируйте мануал вашей DAW, привыкните к горячим клавишам транспорта и инструментов для сведения, потому что исправлять все мелочи по ходу работы гораздо удобнее и эффективней, чем долго делать несколько дублей подряд, а потом разбираться, где нужен монтаж и т.д.
Сравнивайте дубли: Любой стиль вокала требует как минимум четырех дублей (по моему мнению), затем можно из них собрать по кусочкам идеальный вариант. Многие продакшн сессии для рекламы заходят гораздо дальше, более 12 дублей, часы монтажа и т. д. Самое главное в этом процессе – не записывайте следующий дубль, не отслушав предыдущий.
Сопротивляйтесь слову «пойдет»: остерегайтесь любой ситуации, в которой вы произносите слова «пойдет» или «позже поправим». Другой знак опасности - если вы чувствуете ненасытное желание добавить дополнительные слои, потому что это часто указывает на то, что записанные партии недостаточно хороши сами по себе. Вообще, чем лучше исполнение, тем легче и естественней аранжировка. Точно так же постарайтесь не подслащивать грубый микс трекинга массой эффектов реверберации или задержки, поскольку они затрудняют обнаружение второстепенных моментов в исполнении.
4.Микрофоны
Быстрые советы
Остерегайтесь ярких микрофонов: будьте осторожны при штампах микрофонных сетапов, придуманных во времена расцвета аналоговой ленты, потому что высокие частоты часто заранее подчеркивались на этапе трекинга, с использованием сверхъярких конденсаторных микрофонов в качестве способа компенсации потерь высоких частот на носителе. «Если вы собираетесь записывать на цифровой носитель, - говорит продюсер Мик Глоссоп, - не стоит рассчитывать на те же микрофоны, которые вы использовали для аналогового». Недавнее возрождение ленточных микрофонов в профессиональных кругах является свидетельством этого, потому что ленточные микрофоны обеспечивают гораздо более плавный звук на источнике, но владельцы проектных студий по-прежнему не хотят следовать их примеру, несмотря на недавний обвал цен на рынке ленточных микрофонов. Возможно, это потому, что они опасаются восьмерки, которую дают большинство ленточных устройств. Какова бы ни была причина, я подозреваю, что именно поэтому оверхэды ударных, акустическая гитара, струнные и духовые так часто звучат болезненно жестко в домашних миксах.
Пробуйте разные микрофоны до стадии эквализации: во время записи, думайте как звукорежиссер. Вместо эквализации, используйте микрофоны разного характера, чтобы придать контраст и избежать конфликта звуков в миксе. Именно в этом контексте динамические микрофоны покажут себя, так как один и тот же бюджет, потраченный на динамические микрофоны, даст большую палитру красок в итоге, нежели он же, но потраченный на конденсаторные микрофоны. Большинство звукозаписывающих инженеров имеют Shure SM57 либо SM58 и AKG D112 в своем арсенале, хотя существует еще куча очень крутых вариантов в районе $300-$800, таких как Beyerdynamic M88, Electro-Voice RE20 и RE320, Heil Sound PR30 и PR40, Sennheiser MD421 и MD441, и Shure SM7B среди прочих.
Каждому вокалисту нужно подбирать свой микрофон: Инженеры любители обычно на автомате ставят для вокалиста конденсаторный микрофон когда пишут ведущий вокал, и это печально, потому как грубый или слишком яркий вокал – это как раз та проблема, с которой я сталкиваюсь, когда мне отдают запись на сведение, и в большинстве случаев она решается заменой микрофона на динамический. Имейте в виду, что многие легендарные студийные вокальные записи были сделаны при помощи именно динамических микрофонов. Shure SM57 и SM58 имеют длинный послужной список записи многих мощных рок вокалистов, и это только вершина айсберга. Beyerdynamic M88 годами служил Филу Коллинзу, или, например, Майкл Джексон использовал Shure SM7 в некоторых местах на Триллере. Electro-Voice’s RE20 использовался для записи женских вокалов на альбоме Fleetwood Mac «Rumours» и ‘I Wish’ Стиви Уандера.
По сей день существует распространенное мнение среди владельцев домашних студий, что цель трекинга – это получить максимальное количество звуковых опций для сведения. Как бы разумно это не звучало в теории, на практике это совершенно неэффективно. Первая проблема – это то, что большое количество опций обычно расшифровывается как «нежелание принятия решения касательно того, как должна звучать запись», в таком случае выбрать подходящую технику записи представляется практически невозможным. Как можно судить о правильном положении микрофона если в голове нет четкой звуковой идеи? Вторая проблема заключается в том, что каждый вариант, который вы оставляете открытым, порождает множество других. Допустим, вы использовали два микрофона и DI на басовом кабинете, не думая об их балансе. Сколько микрофонов вам понадобится на каждую гитару, записанную поверх, чтобы они нормально звучали с басом при сведении? Три? Четыре? А как же тогда пианино, вокал, шейкер ...? Короче говоря, звуковая нерешительность – это рецепт раздутых многодорожечных проектов, которые вы в итоге возненавидите, как только наконец пройдете свой путь через неизбежный пропитанный потом кошмар миксдауна.
Быстрые советы
Фризить треки с обработкой в реальном времени и MIDI не просто экономит вам мощности компьютера — это также отличный способ выработать дисциплину принятия решений, которая может прилично увеличить производительность и скорость работы.
Баунс обработанных записей в файлы на дорожки: вот отличный метод выработать решительные отношение к работе при записи любого инструмента несколькими микрофонами или комбинацией микрофона и DI-бокса: заведите привычку сразу выводить в один трек сбалансированный сигнал. Дополнительное преимущество такого метода - меньше треков, а значит – проще навигация внутри проекта. Также, хорошая идея сразу записывать в файл виртуальные инструменты и гитару, пропущенную через симуляторы гитарных усилителей, это позволит аудиодрайверам работать на низкой задержке и без глитчей.
Монтаж до записи следующих инструментов: не начинайте писать следующий звуковой слой аранжировки пока не проделали весь необходимый монтаж текущих партий. Это не к принятию решений, это как раз к тому, что это так или иначе приведет вас к качественным записям и позволит позже не возвращаться к предыдущим партиям. Если не поправить проблемы с таймингами в партиях ритм секции, скажем, до записи гитар и клавиш, потом придется править еще и гитары с клавишами, неважно насколько хороши исполнители. Четко запишите и исправьте ритм секцию, и потом монтаж для других инструментов может не потребоваться вообще. То же самое – не надо включать в уши музыканту метроном, если уже все записано хорошо и можно опираться на качественную ритм секцию. Слушатель все равно не услышит клик, так что лучше пусть партии хорошо ритмически сочетаются между собой, чем с сеткой DAW.
Не пишите вокал в последнюю очередь: попробуйте записать ведущий вокал как можно раньше в ходе сессии. Вас удивит, как легко подберутся звуки для партий бэков и сведется финальная аранжировка.
Сводите на ходу: другой способ оставаться в решительном состоянии ума (а также, прокачать ваши инстинкты в сведении) – это постоянно досводить текущий микс грубо по ходу записи каждой партии. Может и странно изобретать колесо таким образом, но преимущество здесь заключается в том, что вы постоянно будете задавать себе вопросы по поводу записанных партий и того какова их роль в текущем миксе. Таким образом вы выкинете лишний балласт из аранжировки, а образ конечного продукта окрепнет и станет яснее. Eric ‘Mixerman’ Sarafin в своей книге Дзен и Искусство продюсирования говорит: «Если после записи очередной дорожки вы не знаете как она должна уложиться в баланс текущего микса, значит вы все время игнорировали ощущение, которое по идее должен вызывать этот трек… То есть, вам нужно играть с балансом КАЖДЫЙ раз, как вы что-то меняете в треке».