Извечный вопрос в музыкальном производстве: «Почему моя музыка не звучит так хорошо, как у моего любимого исполнителя?». Он касается создания ваших произведений, которых вы, разумеется, считаете величайшими произведениями за всю историю музыки, а затем и того момента, когда вы сравниваете их с работой вашего любимого музыкального исполнителя, к уровню качества которого вы стремились все время. Но ваша музыка просто «не там», не такая громкая, как сейчас, не такая хорошо сведенная… она просто не звучит «профессионально». Так что же вы собираетесь с этим делать?
Типичные решения в 21 веке – записаться на курс, прочитать сотни статей на тему, или посмотреть миллион видео на YouTube от «экспертов», которые обещают дать вам ответы на все вопросы, если вы досмотрите видео до конца, поставите лайк и подпишетесь. Или, можете спросить реальных экспертов, что мы и сделали в этом материале: спросили артистов, инженеров и продюсеров, которые в той или иной степени плавали и знают. А еще важнее – слышали и исправили.
Они все столкнулись с абсолютно той же дилеммой, с которой сталкиваемся и мы с вами – как поднять ставки в нашем продакшне. Разница в том, что им удалось совершить тот самый прорыв, подкрутить, свести и вывести на должный уровень свое мастерство, и теперь они этим зарабатывают на жизнь. Порой очень даже неплохо зарабатывают.
Так что приостановите все эти видео, отложите планшеты и приготовьтесь услышать мудрые слова и мудрые студийные советы от экспертов; Практические советы, которые помогут вам превратить ваши идеи, черновые демоверсии и потенциальные шедевры в готовые к релизу, стримингам и прочим способам дистрибуции.
Перво-наперво эксперты советуют организовать работу и это восходит к уровню DAW.
Продюсер и инженер Марк Рэнкин — сторонник того, чтобы все было подготовлено до настройки эквалайзера: «Я настраиваю сессию с правильным темпом, затем систематизирую и раскрашиваю файлы. Моя система состоит из ударных (в порядке бочки, малого барабана, хай-хэта, томов, верхних и комнатных микрофонов), затем баса, гитары, клавишных, струнных, эффектов, ведущего вокала, бэк-вокса и посылов эффектов.
«Затем я пробегаюсь по песне и добавляю пронумерованные маркеры, чтобы можно было легко переключаться между разделами. Цель состоит в том, чтобы иметь возможность легко ориентироваться в песне, потому что, если у меня есть идея, я хочу фиксировать её быстро».
«Когда я начинаю работу над миксом, первое, что я делаю, — это готовлюсь к сессии», — соглашается продюсер/инженер Рианнон Мэйр. «Я загружаю стемы в Pro Tools, проверяю каждый трек и маркирую все, включая групповые стемы. Иногда я использую шаблон сессии с внешними модулями и готовыми к работе плагинами. Мне нравится, чтобы «административная» часть микса была готова до того, как я начну эквализацию или компрессию».
Шаблоны - отличный способ организовать работу и сэкономить время в начале сессии. Практически каждая DAW позволяет вам настраивать проекты шаблонов — по сути, собственные настройки, каналаы с вашими любимыми плагинами, эквалайзерами и компрессорами, а также входными каналами для гитарных и вокальных записей и посылами, с любимыми плагинными эффектов.
Просто выделите утро для создания шаблона для каждого из ваших различных типов работы, и вы сэкономите это время в начале каждой сессии. У нас есть некоторые основы для шаблона, изложенные в нашем первом пошаговом руководстве ниже.
Все наши эксперты сходятся в одном: вокал может улучшить или испортить трек, и все зависит от качества записи. Они говорят, что в первую очередь следует учитывать комнату, в которой находится ваш вокалист, и Рианнон советует попытаться найти наименее отражающее пространство.
«Я всегда предпочитаю, чтобы вокал звучал как можно более сухо и естественно, поскольку это значительно упрощает процесс сведения. Если у вас нет доступа к студии, запись вокала в спальне может звучать нормально, или можно использовать что-то вроде отражающего экрана. Когда я учился в университете, я вешал пуховое одеяло в шкафу в спальне и устанавливал туда микрофон, и он звучал нормально.
«Я всегда предпочитал заранее добиться хорошего звучания вокала, выбрав микрофон и предусилитель, которые подходят вокалисту и хорошо вписываются в трек. Все, что мне обычно нужно, — это легкая компрессия и эквалайзер, поскольку вся тяжелая работа уже сделана до этого».
Марк Рэнкин записал, возможно, самую известную вокалистку на планете Adele, и он полностью выступает ЗА компрессию. «Она очень помогает при записи вокала, но с ней легко переусердствовать. Мне нравится давать певцу что-то, с чем можно бороться, поэтому во входной цепи у меня есть компрессор, который воздействует на самые громкие части от -3 дБ до -6 дБ, ничего сумасшедшего. Но еще у меня в мониторной цепочке есть агрессивный компрессор, который не записывается, а отправляется на наушники. Это дает «финальный» звук вокала, но это своего рода подстраховка, и его можно вернуть позже, если чего-то вдруг будет слишком много».
Многим нашим продюсерам и инженерам микширования, возможно, придется работать с уже готовыми записями и получать демо различного качества, которые им придется микшировать или использовать в качестве отправной точки. Так какая же проблема возникает чаще всего при получении демо-версий?
Марк Рэнкин добавляет: «С точки зрения сведения, обычно это недостаток динамики или проблемы со звуком, когда треки звучат мутно или тонко. Часто это сводится к тому, что люди потратили много времени и сил, чтобы добраться до той демки, которая у них есть, и теперь, возможно, «не совсем видят лес за деревьями».
Кэти Мэй, главный инженер Real World Studios, соглашается: «Демо может звучать мутно с точки зрения частоты и стереоизображения. Несколько гитар могут панорамироваться централизованно и иметь слишком много низких частот, которые могут отлично звучать в соло, но при прослушивании в контексте приходится бороться с басом и/или ударными. Я думаю, что действительно важная часть процесса сведения — это найти определенное место для каждого инструмента, и многие несведенные материалы, которые я слышу, могут звучать очень «скомканно» вместе».
Когда я начинаю работу с демо, я обычно «раздеваю» его до вокала, а затем начинаю добавлять части по отдельности.
«Для меня это места, где партии перекрывают дргу друга либо по звучанию, либо по ритму, либо по гармонии», — соглашается Рианнон. «Когда я начинаю работать над демо, я обычно «раздеваю» его до вокала и аккомпанемента, а затем начинаю добавлять части по отдельности и отмечаю в уме, что нужно посмотреть или переаранжировать. Я всегда прошу у артиста список референсов и его предыдущие треки, чтобы получить представление о том, откуда они пришли и куда они движутся в творческом смысле».
Тим Оливер из Real World Studio советует просто не обращать внимания на ошибки демо: «По своей природе демо всегда не хватает навыков профессионального инженера звукозаписи и продюсера – оно звучит как мусор и ему не хватает связного звукового повествования. Умение любого продюсера, представителя лейбла или инженера состоит в том, чтобы услышать это и представить, чем оно может стать».
(Image credit: Future)
Тим использует такую практику (описанную абзацем выше) в качестве первого шага в процессе сведения. Следующим для него является микширование важнейшей части - вокала: «Я работаю над вокалом, если он есть, чтобы лучше подчеркнуть его характер, добавляя компрессию, эквалайзер, окрас/насыщенность и пространство», — говорит он. «Все должно зависеть от вокала, поэтому нужно, чтобы он звучал великолепно, от него уже можно выстроить хорошую минусовку».
У Марка Рэнкина есть очень конкретный порядок сведения, которому мы все могли бы поучиться. «Сперва я запускаю сердце песни, обычно это барабаны и бас. Что касается живых барабанов, я начинаю с оверхэдов и эмбиент-микрофонов, поскольку они содержат «воздух» вокруг установки. Затем я включаю бочку, малый барабан и эквализирую и сжимаю их, чтобы они звучали плотнее. На очереди бас, и важно понять, как он взаимодействует с барабанами. То же самое с гитарами и синтезаторами: если они работают вместе, это придает песне импульс и жизнь.
«Далее идет ведущий вокал», продолжает он. «Ему необходимо взаимодействовать с инструментами, но при этом иметь свободное пространство, чтобы он «расцветал». Это может быть небольшая задержка или короткая реверберация, которая не отвлекает, но улучшает вокал. Убедитесь, что эффекты соответствуют стилю песни и эмоции видны явно. Если это быстрая или насыщенная песня, возможно, длинная реверберация не нужна».
У Кэти Мэй аналогичный подход к миксу: «Я начинаю с приблизительного баланса фейдеров, прежде чем переходить к каждому отдельному инструменту. Как барабанщик, я обычно начинаю с ритм-секции, сначала проверяя, чтобы все барабанные микрофоны были в фазе. Это очень простой шаг, который можно пропустить, но он может оказать невероятно большое влияние на окончательный звук барабанов.
«Удивительно, сколько микс-файлов я получаю, в которых верхний микрофон малого барабана не совпадает по фазе с нижним микрофоном малого барабана. Если они не в фазе, как только я переверну его, малый барабан внезапно зазвучит очень естественно и жирно, а это означает, что все, что мне нужно сделать, это отполировать то, что у меня уже есть, вместо того, чтобы биться над EQ.
«Как только барабаны и бас «склеелись», я добавляю поддерживающие слои один за другим и корректирую, пока все не станет звучать хорошо. Это предполагает снижение низких частот большинства элементов при прослушивании в контексте, чтобы избежать ненужной путаницы. Лично я предпочитаю получить инструментальное звучание отдельно, прежде чем сводить вокал, что спорно для многих. Тем не менее, я действительно не думаю, что здесь должны быть какие-либо правила, и, если ваш метод дает вам желаемые результаты, не подвергайте его сомнению!»
Это отличный совет, но что, по мнению наших экспертов, является ключевым фактором, который переводит демо-версию из статуса «демо» в статус «готова к выпуску»?
Кэти отвечает: «Это микс-инженер, который не боится делать экстремальные вещи, такие как жесткое панорамирование или экстремальную эквализацию. В микшировании нет абсолютно никаких правил, и если вы не кайфуете от него, возможно, стоит подумать об изменении рабочего процесса.
«Процесс должен быть волнительным: раскатывать гитары дисторшном или старыми дилеями, или пропускать вокал через симуляторы усилителей, когда вам нужно немного больше напора – все, что делает ваш микс интересным, привлекает внимание слушателя и, самое главное, служит повествованию песни».
Совет Марка Рэнкина: убедитесь, что ведущим элементам есть где проявить себя. «Если у вас потрясающий вокал, позвольте другим инструментам поддержать его. Потратьте некоторое время на работу над атмосферой, которую вы пытаетесь создать в песне.
«Атмосфера может перенести слушателя в комнату с группой или артистом. Автоматизация инструментов, для смещения фокуса слушателя может очень помочь».
Совет Рианнон, пожалуй, самый интересный: не выбрасывайте демо в мусорку! «Обычно какая-то часть, если не вся, демо попадет в окончательный трек, и я не могу назвать количество раз, когда я использовал демо-вокал в финальной версии».
Совет Тима более абстрактный, но не менее интересный: «Я думаю, что волшебство происходит, когда вы находите клей, который заставляет произведение работать слаженно, на единый эффект. Это ключевой момент, и он часто касается разных приемов. Это может быть поиск тонального центра трека, двигателя грува или энергии вокала. Что-то заставит трек резонировать с душой, и умение найти это что-то и построить вокруг этого песню - бесценно».
Итак, вот вам практические советы, еще больше философских мыслей и немного магии микширования, которые помогут превратить ваши демо-записи из обычных в экстраординарные. Но, прежде чем мы продолжим, конец этой статьи подходит для вопроса: как ВЫ понимаете, что микс или музыкальное произведение готовы?
Кэти Мэй: «Я слушаю много музыки в машине, поэтому очень привыкла к ее звучанию и считаю, что это действительно хороший способ оценить, как низкие частоты транслируются в разных системах. Если я замечаю, что мне нравится то, как трек звучит, пока еду на работу, значит, микс, вероятно, готов. Как только ваше тело положительно отреагирует на микс, работа готова».
И, наконец, самые мудрые слова о завершении микса принадлежат Тиму Оливеру: «Микширование нельзя закончить, можно только забить на него. Мой совет: забейте и иди в паб».
Вторая часть статьи будет доступна в ближайшее время, ставьте лайк и сделайте репост, это помогает развивать наше сообщество.
Перевод и локализация: Studio Day